NOMBRE DEL PROYECTO:

DAVINCI

Autor: Gabriel Vélez Calle

Filosofía I

“El artista no se limita a una intervención en el espacio
sino que afronta también una resolución en la superficie”.

Prologo

El mundo del arte lo atraviesa un sin numero de intereses diversos y generalmente contradictorios. Museos, galerías, marchantes, mecenas, críticos, curadores, comerciantes. Todos se ocupan de una manera u otra de la obra del artista; todos se alimentan de esta creatividad, a veces sin ningún escrúpulo. Entidades y medios públicos o privados se sirven de su prestigio sin pudor, pero nadie se pregunta cual fue el camino que hubo de recorrer determinado artista o su obra para ser lo que es. Ninguno conoce el peregrinaje que hubo de seguir hasta lograr los conocimientos y los medios para crear dicho objeto artístico, material o inmaterial, y pocos especulan sobre sus necesidades. No hay un estatuto del artista profesional. No hay cobertura en salud. No hay beneficios fiscales. No existe un régimen gremial, y no hay una oferta de procesos formativos científicos e integrales; pero lo que al final importa, es que el arte esta ahí, y ellos están dispuestos a compartir su gloria.

El autor

Hace unos 50.000 años, los neandertales dejaron testimonio de pequeños depósitos de ocre rojo. ¿Arte o tecnología?
Técnicas y tecnología interdisciplinar en el arte

Para comprender el propósito de este proyecto es útil explicar el significado de estos dos términos diferenciando un poco su función. Entenderemos la técnica como el conjunto de procedimientos y recursos de que se sirve una ciencia o un arte para el aprovechamiento practico del conocimiento científico y la tecnología interdisciplinar como el lenguaje de todas las formas de expresión artística que involucren procesos y medios técnicos.
El primero (la técnica) estructurará las bases de DAVINCI y aunque existe una interacción profunda entre ambos conceptos el fundamento del programa radica en el estudio, la practica y la experimentación de las técnicas para la exploración de todos los recursos estéticos disponibles, lo que sin duda alguna, servirá como método para el desarrollo posterior de el lenguaje tecnológico-artístico propio.
Antes de entrar en el tema en si, es importante hacer una reseña histórica con el ánimo de entender los antecedentes que han generado los elementos de juicio para que este proyecto surja como una forma capaz de integrar para el arte toda la tecnología interdisciplinaria tradicional y de vanguardia.

Hacia un tecnolenguaje
Fundamentos uno


El arte ha parecido siempre un oficio engañosamente sencillo y romántico, resultado de lo que desde el renacimiento se denomino “ Espíritu creativo “; un impulso, una virtud con cierto toque de refinada esquizofrenia y esto parecía ser suficiente para desencadenar el misterio del objeto artístico.

En México, Argentina y Chile se emplea el termino académico de “ Licenciatura en Bellas Artes” calificativo que ya de por si denota su condición arcaica y en Colombia “Artes Plásticas” una acepción mas arcana aun; una mezcla de manualidades y teorías, validas en principio como un primer paso, pero actualmente insuficientes; y mientras el nuevo siglo nos produce un “Shock del futuro,”* muchos de nuestros artistas o estudiantes de arte, languidecen, presos de las propias contradicciones de un oficio que ya agoto los recursos técnicos y plásticos convencionales y de una academia que dilapida el tiempo y los medios disponibles en un discurso interminable de conocimientos y experiencias vacías, mientras no se involucre toda la tecnología interdisciplinar necesaria para una formación integral del creador contemporáneo.
El error de nuestra educación formal persiste, al creer que podemos formar maestros y artistas de alguna trascendencia, enseñándoles técnicas de garaje sustentadas por una filosofía renacentista y trasnochada que bien pueden servir para manejar las manualidades de un oficio, pero que hoy en día ya no pueden satisfacer las expectativas de una profesión que reclama su futuro.

El artista como lo conocemos desaparece lentamente; pues su inspiración a dejado de ser el producto en bruto del espíritu humano, para pasar a ser el resultado de una investigación concienzuda y ordenada de los materiales y los procesos y su creatividad ya no es el efecto natural de su talento, sino el objeto de una seria experimentación científica de la realidad, porque el arte actual en nuestro medio, no puede ser mas una alquimia, sino una ecuación, y la búsqueda de esas formulas para develarlo y la manera de prepararlas es la propuesta que subyace en este proyecto.


Cualquier reflexión actual sobre el arte no puede dejar de tener en cuenta el protagonismo esencial que la tecnología a ejercido desde la década de 1960, tanto en el ámbito artístico como el social mas amplio. Las nuevas tecnologías le han dado al arte un nuevo lenguaje, han reorganizado todo el espacio institucional, laboral y pedagógico, generando una serie de debates en el ámbito de la reflexión y de la creación artística que en muchas ocasiones se ha convertido en básica para el mayor entendimiento entre la tecnología y los usos que hoy en día puede tener.
En las vanguardias tecnológicas se reinstauro la importancia de ese lenguaje como parte fundamental del proceso de elaboración del objeto artístico y que, tanto el proceso como el objeto en sí, encontrasen sus fundamentos en el pensamiento científico, la lógica y las matemáticas. Se alentaba la mezcla y ruptura de los géneros artísticos tradicionales, como la escultura y la pintura, en pos de alcanzar el arte total, junto con la introducción de materiales no tradicionales como la luz, el espacio, el tiempo y el mismo espectador. Una de las principales aportaciones que dio este lenguaje a la teoría estética, y que hoy en día tiene una importancia fundamental, es que a partir de entonces se puede concebir la existencia de la obra de arte como objeto inmaterial; esto es, ahora una obra de arte visual podía estar constituida únicamente por luz, movimiento o incluso, datos almacenados en la memoria de una computadora.
* Alvin Toffer. Plaza y Janes. Barcelona. España. 1980.

Marco de referencia, fundamentos teóricos y antecedentes.

Arte y tecnología: una frontera que se desmorona
Fundamento dos
Historia

“Siglos atrás, entre la práctica artística y la práctica técnica no había distinciones. A partir de Newton, sin embargo, se establece una separación entre ellas, que se agudiza durante el Romanticismo, y que acaba consolidando la existencia de "dos culturas" sin a penas conexiones. Durante el siglo XX, ha habido una serie de autores y de obras, entre la expresión y la técnica, que han contribuido a la superación de esta dualidad. Algunos miembros de las vanguardias, ciertas experiencias conjuntas de creadores y técnicos, durante los años sesenta, y, en general, la emergencia de la nuevas tecnologías audiovisuales y de comunicación, han ido minorándola hasta el punto de hacerla desaparecer, y abren un horizonte artístico en el que conviven, necesariamente, estos dos enfoques”.
Xavier Berenguer
Codirector de Masteres artes.IUA. Cataluña

Charles Percy Snow, en 1964, en su ensayo Las dos culturas, describía dos comunidades bien diferenciadas, la de los científicos, por un lado, y la de los artistas e intelectuales "literarios", por otro– caracterizadas por haber perdido sus raíces comunes, así como la capacidad de comunicarse entre sí. El origen de este divorcio, según Snow, reside en el paradigma científico del universo mecánico, el cual asentó la interrogación humana sobre la base de la razón y el reduccionismo, esto es, del método científico. Así, mientras el científico juega con la realidad y la lógica, al artista le concierne la imaginación y la emoción. El arte investiga el mundo subjetivo; la ciencia, por su parte, persigue el mundo objetivo y el método racional. Como consecuencia de esta escisión, el mundo del arte acabó adoptando el romanticismo como ideología principal, y el artista se convirtió en un personaje marginal, un comentador y un crítico, más que un participante y contribuyente de la realidad; el arte, entonces, parecía menos abierto y activo. Las vanguardias que lo estimularon en la primera mitad de siglo ya no existen; bien porque ya todo está dicho, bien porque el valor de las obras a menudo es "lo que alguien está dispuesto a pagar por ellas", como decía Anda Warhol.

El vigor de la ciencia y de la técnica, frente al carácter dubitativo del arte establecido, hace que la frontera que los ha aislado durante siglos vaya diluyéndose. Paúl Brown, artista y educador, ve además una invasión en toda regla: "Creo que el historiador de arte del futuro, al analizar este fin y comienzo de milenio, verá que los principales impulsos estéticos han provenido de la ciencia y no del arte... Quizá la ciencia esté evolucionando hacia una nueva ciencia llamada arte, quizá el propio arte, al menos el arte que hemos conocido en este último cuarto de siglo, ha dejado de tener alguna utilidad social..."

La distancia entre ciencia y arte se acorta, pero ¿cuándo se creó esta separación?, y ¿qué artistas la han cruzado?

Durante la antigüedad, no había ninguna separación entre artistas y científicos. Los griegos no hacían distinciones, todo era techné (arte, habilidad, técnica, destreza...). En este sentido, Leonardo da Vinci representa una culminación espléndida de la síntesis de los dos oficios y precisamente de el hemos tomado el nombre para este proyecto.

Hasta 1700, las primeras materias de los pigmentos eran puramente naturales, como el carbón, la tierra... Pero después, gracias a la investigación química, la paleta se fue nutriendo de nuevos materiales y nuevos colores, como el blanco del titanio, los amarillos del zinc, el cromo, el cadmio... Otro descubrimiento que revolucionó la plástica, a partir de la Segunda Guerra Mundial, fue la pintura acrílica, cuyo secado rápido posibilitó nuevas maneras de pintar. De manera que, desde el punto de vista instrumental, el divorcio entre arte y técnica nunca ha sido verdaderamente total.

En el siglo XIX las máquinas sustituyeron al hombre, ahorrándole esfuerzo pero, a la vez, restándole identidad. La ciencia, cada vez más poderosa, empezó entonces a enseñar los dientes de la destrucción y de la antihumanidad. Los artistas, como reacción, se refugiaron en sí mismos; la habitual entre ellos era una actitud como la de William Morris, el cual, sumándose al movimiento ludita, declaraba que "el artista y la máquina son absolutamente incompatibles". Este concepto, y el correspondiente que diría que "el científico y la subjetividad son absolutamente incompatibles", presidiría las relaciones entre las comunidades científica y artística durante el siglo XIX y buena parte del XX.

Pero hubo artistas que se plantearon una visión alternativa, por ejemplo los futuristas que propusieron la búsqueda de nuevas formas artísticas; en esta búsqueda, la tecnología –y su símbolo, la máquina– no era un enemigo, sino al contrario, un aliado y hasta una obra susceptible de valoración estética. En 1909 Filippo Marinetti declaraba: "El automóvil es más bello que La Victoria de Samotracia".

El movimiento futurista, aunque de poca duración y repleto de contradicciones, constituye hoy día el precedente más directo de la tendencia integradora que actualmente inspira la práctica conjunta de arte y tecnología.
Entre estos movimientos figuró el dadaísmo, con artistas tan significativos como Marcel Duchamp, Max Ernst, Man Ray, etc, la máquina aparece como motivo en diversas de sus obras. Otra escuela positiva ante la ciencia y la técnica fue la de los constructivistas, Naum Gabo, primer autor de una escultura cinética, decía: "La única meta de nuestro arte pictórico y plástico ha de ser la realización de nuestra percepción del mundo en las formas de espacio y de tiempo... La plomada en nuestra mano, los ojos tan precisos como una regla... Debemos construir nuestras obras de la misma manera que el universo construye las suyas, de la misma manera que el ingeniero construye puentes y el matemático fórmulas". Otros artistas, como Lazlo Moholy-Nagy, crearían obras originales basadas también en el movimiento, la luz o el cine.

Otro de los antecedentes y quizás el que mas se aproxima a la filosofía de este proyecto en lo que concierne al acercamiento entre artes y técnicas fue la escuela Bauhaus. Fundada por el arquitecto Walter Gropius en Weimar, Alemania. Desde 1919 hasta 1933, la Bauhaus propició una enseñanza tanto de la tradición histórica de las artes como de los métodos artesanales de las escuelas de oficios, inspirando la aproximación del arte a la realidad viva y a las nuevas tecnologías y propugnando el trabajo en equipo en lugar del individual. En ella trabajaron pintores como Paúl Klee y Vasilij Kandinsky. Clausurada por el nazismo, la Bauhaus fue continuada años después por Moholy-Nagy, en EE.UU. En Europa, la industria adoptó la producción de los numerosos diseños, objetos y soluciones arquitectónicas y diseño industrial que surgieron de la Bauhaus, y fueron muchas las escuelas y universidades que adoptaron su método interdisciplinario de enseñanza y su interés por las nuevas tecnologías.
Durante la Segunda Guerra Mundial, la mayoría de innovadores se trasladaron a Norteamérica, por eso las propuestas más interesantes en el uso de la tecnología procedieron de allí. John Cage, en 1938, trucó las cuerdas de un piano con diversos materiales y propuso la composición basada en el azar: con ello nacía la música electrónica.

Aparecieron entonces unas figuras insólitas: los tecnoartistas. Frank Malina, por ejemplo, y se dedicó a construir instalaciones escultóricas. Takis, se hizo famoso con una serie de obras en las que empleaba motores, campos magnéticos...
En los años sesenta los intentos de síntesis de arte y tecnología se extendieron y profundizaron. La atmósfera radical que se vivía dio lugar a numerosas propuestas de arte alternativo –entre ellas, de arte basado en lenguajes tecnológicos , algunas de las cuales permanecen en la actualidad como referentes notables.

En Europa grupos como ZERO y GRAV (que tuvo en España su representación en Equipo 57) marcaron un hito en la organización de colectivos de artistas que no eran reacios, sino todo lo contrario, al uso de la tecnología.

En Estados Unidos, al tiempo que Marshall McLuhan publicaba su ensayo Understanding Media y Andy Warhol llamaba "La Factoría" a su estudio, Robert Rauschenberg y Billy Kluver (otro técnico reconvertido) fundaban EAT (Experiments in Art. and Technology), una organización dedicada a potenciar creativamente la síntesis entre arte y tecnología. Entre las actuaciones de EAT destacó la exposición "Nine evenings", celebrada en Nueva York en 1966. En esta exposición, por primera vez, la autoría de las obras exhibidas se hallaba repartida –y así se reconocía públicamente– entre el artista y el técnico. En la siguiente exposición de EAT, "Some more beginnings", se concedieron también premios a los técnicos colaboradores de las obras.

En 1967 Frank Malina fundó la primera publicación periódica dedicada a las "artes, ciencias y tecnologías", Leonardo. La década culminaría con la exposición "Cybernetic serendipity", celebrada en 1969, en Londres. Esta exposición demostró que la adopción de las tecnologías por parte de los artistas era un proceso cada vez más fluido y que el protagonismo del artista podía compartirse con el protagonismo del técnico, sin que el artista debiera por ello rasgarse las vestiduras. Surgen, asi mismo, los videoartistas el ordenador y por ende la expresión audiovisual. En 1983 Ian Paluka fue el primero en detectar la trascendencia de estos acontecimientos anunciando el derrumbe de facto de la barrera que había separado al artista del científico. Para sintetizar la técnica y la creatividad decía Paluka, es preciso que trabajen conjuntamente ambos lados del cerebro, el derecho y el izquierdo.
Esto es precisamente lo que debemos empezar a hacer.

OBJETIVOS
Fundamentos dos

Arte, técnica y materiales
Filosofía II
“Ninguna idea puede tener forma precisa sino se definen antes los materiales y ningún material tiene virtudes propias mientras no se especifique la composición en la que va a entrar.”

En casi todos los los países desarrollados los creadores tienen acceso a conocimientos científicos de todo tipo con cierta facilidad y aunque no existen centros formativos que ofrezcan una preparación especializada para el trabajo y la experimentación en las tecnologías interdisciplinares del arte, si se dictan cursos en mucha de sus materias pero sin orden ni concierto, ni con el propósito de cumplimentar la labor creativa ni establecer políticas de interactividad para este fin, no obstante, esto permite que el oficio sea mas eficiente y productivo que en nuestro entorno donde la mayoría de los conocimientos prácticos avanzados que se requieren para lograr el pleno desarrollo profesional y por ende la libre y madura expresividad creativa no son fáciles de alcanzar y es por esto, que muchos, seriamente implicados en este oficio, o han desistido, o han tenido que aprender altravez de una experiencia interminable y desalentadora o mas doloroso aun; han tenido que emigrar en busca de los mismos.

Todos debemos de estar de acuerdo en que el arte jamás existiría sin el aporte enriquecedor del espíritu humano, pero también es cierto que aunque la formación técnica no puede ser, para el arte, un fin en si misma, resulta determinante para la realización de una obra veraz y significativa.

Sin embargo, el problema no termina en esta búsqueda del santo grial de las tecnologías ínterdisciplinares modernas, en un medio que como el nuestro, resulta completamente indiferente e impermeable a las necesidades del artista, por el contrario, es el punto de partida de otro viaje mas complejo aun, el de la búsqueda de los elementos y materias primas necesarias que cumplimenten las formulas para un sin numero de procesos arte-industria-experimentación, ya que por lo general, o no existen dichos productos en el mercado, o su utilización es parte de tecnologías empresariales que no permiten su conocimiento puntual, o su importación no es viable por su escasa utilidad. Este es el caso de la mayoría de elementos imprescindibles para desarrollar comercialmente procesos como las fundiciones de precisión, las aleaciones complejas, la micro fusión industrial etc. En el área de la cerámica de segunda y tercera generación y que hoy en día resulta fundamental en la investigación de nuevos materiales con infinidad de aplicaciones artísticas e industriales, no hemos pasado de hacer vasijas con una u otra novedad plástica, mas por la tenacidad de nuestros artistas que por los medios y materiales disponibles. No obstante habría que mirar con detenimiento los logros de algunos artistas actuales Italianos o Japoneses como Rolando Giovannini o Takako Araki o Nishi Sadajuki en el manejo de la serigrafía, fotograbado y técnicas afines en la cerámica o la porcelana y si habláramos de aleaciones, bastaría mirar la obra de M.Gozalbo o G. Teno (España) y la lista se haría interminable.

Entonces, ¿Como entrar en la historia?. ¿Como contar la nuestra?. ¿Como crear un lenguaje innovador y propio y sentar las bases para un oficio que transcriba nuestra memoria? Debemos procurar formar un nuevo espíritu creativo. Un Tecnólogo artístico que conozca el conjunto de teorías y de técnicas que le permitan aprovechar de un modo practico el conocimiento científico para la creación artística.

Aunque el desarrollo teórico y físico para dar solución a estas inquietudes es complejo, esto nos exigirá , como primera medida, iniciar un proceso de reeducacion formal de nuestra propia conciencia; ¿ Cual es nuestra “ idea” de un artista?. ¿Que puede aportar a la comunidad?. ¿ En que puede contribuir al la evolución humana y espiritual de nuestra cultura?. ¿De que modo puede enriquecer e interactuar con otros medios ?.etc. Todas las respuestas a estas y otras inquietudes que subyacen en nosotros se albergan en la filosofía propia del proyecto: Integración, información y medios técnicos que hagan del oficio una profesión, de una vocación una ingeniería y de la inspiración una ciencia.
Es imprescindible, entonces, dar ese paso mas allá de manera generosa y darle al arte, al artista y a las técnicas, un punto de encuentro propio y común.
Debemos capacitar a nuestros estudiantes y apoyar a nuestros maestros de manera real, fundando un centro especializado para este fin, que cuente con todos los recursos materiales, técnicos y didácticos necesarios para que puedan lograr directamente sus proyectos y se les posibilite de este modo, experimentar inteligentemente y con una mínima perdida de esfuerzo, logrando así, desarrollar de manera profesional y ampliamente sus habilidades, imaginación y visión creativa.

Filosofía III
¿Es el arte cinético un ventilador para la ciencia?..¿Puede la ciencia reinterpretar un instrumento cinético de viento para convertirlo en arte?

MEDIOS
AREA FISICA-Recursos humanos.

Nota:
En este punto solo haremos una descripción aproximada de los requerimientos básicos que exige nuestro “Centro de estudios para el desarrollo y la investigación de las tecnologías del arte y la experimentación conceptual.” Primero, porque este borrador inicial del proyecto solo pretende exponer el tema general a consideración y crear las inquietudes pertinentes para su reflexión y segundo, porque seria muy dispendioso entrar en las evaluaciones particulares. Se deja por lo tanto, para un posterior trabajo, los estudios de grupo y análisis especializados de fondo que expongan los detalles orgánicos y las consideraciones técnicas propias de un proyecto de construcción y puesta en funcionamiento. Hablaremos por lo tanto de un modo genérico sobre los recursos estratégicos, físicos, humanos y financieros.
Espacios:
Se ha considerado en principio que el centro debe contar con ocho áreas de superficie variable, con el fin de que se adapten de manera progresiva a la evolución y requerimientos del sistema.
Los primeros tres de ellos serán talleres para el aprendizaje y el trabajo practico con diez técnicas de base, sus complementarias y afines. Otros dos, serán laboratorios de “elementos,” y se estableceran como módulos en los que se trabajara con las tecnologías basadas en medios más inmateriales como ondas, sonido, luz etc., y los tres restantes serán de administración y servicios. Todos ellos han de contar con la dotación necesaria para desarrollar su actividad eficientemente. ( ver anexo: dotación módulos, aulas y elementos)
Estas áreas, módulos y talleres se contemplan exclusivamente como espacios abiertos de arte y para el arte y no como aulas de formación ocupacional.
No se dictaran clases de “Artes Plásticas” ni de “Bellas Artes” ni manualidades pues esta función ya la cumplen otras entidades. Operaran como laboratorios integrales para el estudio practico de las técnicas que en cada caso particular le resulte útil aprender al alumno para materializar su concepto o proyecto artístico pues serán crisoles de investigación física y conceptual en los que el estudiante podrá interactuar libremente y mantener un dialogo constante y un intercambio permanente de experiencias y resultados.

Logística.

Administración.

El sitio de trabajo del estudiante es el complejo mismo altravez del cual será guiado por un monitor de información técnica cuyo trabajo es el de orientarlo según sus necesidades y expectativas o el de incorporarlo a un determinado grupo de interés común.

ORGANIGRAMA GENERAL

Cada modulo contara un director(a) responsable del mismo y que ha de ser un tecnólogo(a) en la materia que trate el taller correspondiente. Este ha de operar como el instructor(a) y asesor personal y de grupo y junto con los demás técnicos (as) de cada área, conformaran una asamblea permanente que será el órgano rector de las políticas del centro y orientara sus prioridades, siempre encaminadas a servirle de soporte a la creatividad, como filosofía esencial del proyecto.

Nota: El estatuto orgánico que regulara la estructura y el funcionamiento del centro se establecerá de conformidad a las disposiciones legales.

Distribución
Tres talleres distribuidos así:

Uno-) Fundición, Metalmecánica y forja. De precisión y micro fusión, por gravedad, al vació, en cáscara cerámica etc. Soldadura, plasma, corte, trabajo de lámina , acero, etc. Repujado, tallado, grabado etc.

Dos-) Cerámica, Pintura y Plásticos. Porcelana, preparación e investigación de pastas, engobes, vidriados, óxidos, sales, tierras, técnicas de impresión y aleaciones en cerámica, hornos etc. Color (teoría) técnicas, oleos, acrílicos etc. Esmaltes. Resinas, polímetros, siliconas, cauchos etc.

Tres-) Piedra, Madera, Serigrafía y afines. Corte, pulido. talla etc. Ebanistería, labrado, tipos, cortes, modelos. etc. Papel, fibras, materia orgánica, reciclaje, etc.

Dos laboratorios de “elementos” de área modular para la experimentación, investigación y estudio de las vanguardias artísticas y tecnológicas y la exploración de nuevos lenguajes. Con dicha división solo se trata de establecer parámetros que ordenen las materias con cierta afinidad para que el artista pueda recibir la información de manera eficiente. Las características de los módulos-elementos serán especificadas mas adelante.

Laboratorios-elementos.
Uno-) Aire- Agua. Aire, agua, gas, cinética, neumática, vapor, hielo, prismas, fuentes etc

Dos-) Fuego-Tierra. Luz, sonido, música, audiovisuales, computación, electricidad, magnetismo, electrónica etc.

Tres módulos administrativos y de servicios.
Uno-) modulo para la exposición de resultados, galería de arte y sala de conferencias, archivo de consulta, aula de computadores y comunicación, biblioteca técnica y de arte.

Dos-) modulo de recreación, cafetería y zonas verdes para muestras al aire libre.

Tres) modulo para oficinas, área rectora, secretaria y dirección.

Semisótano para tipografía, enfermería, servicios auxiliares y almacén.
Es útil resaltar la importancia y características de tres complementos de esta infraestructura: el archivo, el centro de comunicaciones y la tipografía.

Archivo:
Este, que será de uso común, se creara como un sistema integral de base de datos que permita el aprovechamiento masivo de cualquier tipo de documento o registro digital, su catalogación automática o manual y su posterior consulta o reproducción de manera fácil, siempre teniendo en cuenta las característica propias de cada medio de registro; es decir; una base integral de archivos digitales como recurso para la anotación histórica, como fuente de proyectos y un medio de compartir información.

Centro de comunicaciones:
El centro de comunicaciones se contempla como la principal fuente de recursos del archivo, la interactividad e investigación conceptual más allá de nuestro entorno.
Se encargara de establecer un vinculo cultural y un intercambio permanente de información on line con otras universidades, institutos o entidades publicas o privadas de interés común, recopilara y seleccionara datos sobre exposiciones, galerías, artistas y actualidad plástica a nivel global y gestionara la pagina Web del centro con el fin de mantener informada a toda la comunidad sobre estas actividades, así como sobre proyectos, becas, pasantias, concursos nacionales e internacionales etc., dispondrá también de una galería virtual de arte y publicara o reproducirá así mismo artículos, ensayos, comentarios o noticias relacionadas con el medio. Explorara e investigara en la red de manera exhaustiva los nuevos lenguajes y tecnologías, herramientas y materiales, adelantos y descubrimientos y los pondrá a disposición del la comunidad y altravez de un criterio selectivo los integrara en el archivo para su consulta permanente y su actualización constante.

Tipografía y edición.
Resulta útil contar con este medio para mantener informada a la comunidad sobre las actividades del centro. Funcionara con la edición mensual de un documento que aportara debate, temas de interés, artículos relacionados con la plástica etc. En su edición podrán colaborar, críticos, galerista, curadores y todos los que tengan algo que aportar al tema del arte. También es importante contar este recurso para imprimir los catálogos, la publicidad y el material didáctico que se necesite e indudablemente servirá como fuente de financiamiento junto con los recursos financieros que se estudiaran mas adelante

Programas de acción estratégica

Denominaremos programas de acción estratégica a las actividades de apoyo para la formación integral del artista.

Subdividiremos este apartado en dos tipos de programas de primer y segundo nivel.
Los de primer nivel serán talleres complementarios que tendrán una duración máxima de tres meses y ofrecerán un primer contacto con áreas afines a los objetivos del centro. Estos talleres suplementarios irán rotando las materias de los cursos y cada trimestre la oferta podrán variar con el ánimo de mantener una vigencia permanente en temas de interés común.
Ejemplos:
Talleres de primer nivel:
Diseño. Actitud-teoría.
Comunicación.
Multimedia. Fotografía- edición
Grafica aplicada.
Computación.
Llamaremos talleres de segundo nivel los temas que se desarrollen teóricamente a manera de conferencias, clases magistrales, charlas, conversatorios etc. Estos serán dictados por quienes manejan la actualidad y el conocimiento en lo propuesto. Se ofrecerán de manera aleatoria durante el año y dependerán en uno u otro caso de la disponibilidad de los invitados. Algunos de estos programas serán de investigación permanrte como los tres primeros que enunciaremos a continuación y los demás podrán variaran en función de los intereses de cada momento por lo que solo enumeraremos algunos a manera de ejemplo.
En todos ellos se abordaran temas que deben servir de reflexión y debate para el enriquecimiento de los elementos de juicio, la capacidad crítica y la cultura general del asistente.
Ejemplos:
Talleres de segundo nivel:
Investigación estética.
Nuevas tecnologías.
Lenguaje conceptual.
Curaduria y museologia.
Critica de Arte.
Diseño y Arte.
El Arte y lo social.
El arte, lo político y las instituciones públicas etc.

Es cierto que ningún sistema educativo puede cubrir a la vez todas las áreas del conocimiento humano que abarca la creatividad y es esa precisamente la característica fundamental de su fortaleza y a la vez de su debilidad ante otras profesiones a la hora de canalizar recursos para su desarrollo y es que continuamos viendo el arte como una vocación que no exige un compromiso formal a todos los niveles para su crecimiento y la reestructuración de sus medios.
Por lo tanto, eso es lo que tenemos que pretender, convertirla en una profesión sólida y darle ante la historia un marco de referencia claro en la tecnología y la ciencia. Debemos enseñarle un vocabulario para que aprenda a hablar el lenguaje de la creación.

Ingreso

Dado que los conocimientos y las técnicas a impartir requieren de un grado de educación media, resulta imprescindible que el interesado sea como mínimo bachiller, tecnólogo o estudiante de artes de alguna universidad o academia Para su ingreso se exigirá la presentación de un proyecto de trabajo veraz que respalde su voluntad de participar de manera libre y responsable en su formación. También podrán ingresar artistas autodidactas con alguna trayectoria y quienes ameriten la necesidad de tener acceso al mismo por motivos de investigación o trabajo. El centro no enseñara arte en ninguna de sus modalidades pero si podrá ser la piedra filosofal que convierta nuestro primitivo ingenio en arte.

Financiación del proyecto.
Alcaldía de Medellín.

Recursos financieros a medio plazo:
Programa nacional de concertación (dependiendo del carácter del centro)
Propios (Matriculas, pensiones, etc)
El centro puede entrar en la lista de proveedores del municipio y demás entidades del estado para licitar en concursos y proyectos que puedan desarrollarse a través de los recursos propios para lo que se establecerá una política de concertación interna y un método de trabajo en la que los estudiantes puedan participar. Por ejemplo en mantenimiento y conservación de monumentos o en el diseño y fabricación del amoblamiento urbano etc. Puede a su vez manejar la representación legal de artistas para su participación en proyectos y contratos municipales y crear una asociación de los mismos para proyectar trabajos conjuntos.

Resumen

Como hemos visto, el arte y la tecnología han venido interactuando de una manera u otra, estableciendo una mayor o menor afinidad e interdependencia a lo largo de la historia con mas o menos fortuna, pero siempre marcando conjuntamente las pautas para la creación de nuevos lenguajes. El objetivo principal de este proyecto no es el de enseñar a hacer arte, ni suplantar el arte con la tecnología ni enseñar las manualidades para una formación ocupacional pues como ya lo dijimos, esto forma parte de nuestra educación tradicional. Es lograr la unión del arte y la ciencia de una manera integral pero no para desvirtuar la creación, sin o para fortalecerá y hacerla prevalecer. Es simplemente, darle al artista herramientas de trabajo científicas, conocimientos avanzados y medios técnicos modernos para que pueda explorar libremente toda la riqueza de su espíritu.

Autor:
Gabriel Jaime Velez Calle.

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